La semaine dernière je me suis occupé du crayonné d’une nouvelle couverture pour Fanpro Allemagne pour la gamme l’Œil Noir. Le descriptif de l’illustration à réaliser m’avait fait trembler par sa complexité. Une vue en plongée, deux personnages en duel dans le nid de pie d’un bateau, en bas un abordage et de la castagne à tout va, à gauche le navire attaquant, à droite un kraken prenant les pirates à revers, etc, etc. A mon avis beaucoup trop d’éléments pour une illustration de couverture. Je profite de l’occasion pour une grande parenthèse.

Je pense qu’il y a deux sortes d’illustrations. Les illustrations de couverture qui vont donner une idée de ce qu’on va découvrir dans le bouquin et les illustrations intérieures, qui en regard du texte, le «paraphrasent» ou le complètent. Pour une illustration intérieure on peut coller au plus près du texte, être très fidèle à ce qui est écrit/décrit comme cela se faisait avant. On peut le voir dans certaines éditions des Jules Verne par exemple où l’on ajoutait même la phrase correspondante sous l’image. Ce que j’appelle «paraphraser», une simple mise en image du récit. On peut aussi compléter le texte s’il est suffisamment vague et peu descriptif. Il peut être très intéressant de montrer ce qui n’y est pas ou ce qui est suggéré, je pense par exemple à une ambiance, une heure de la journée, un climat qui ne serait pas précisé. Là le rapport texte / image peut prendre tout son sens. On peut surprendre le lecteur et l’aider (voire l’influencer) dans sa lecture en apportant sa propre vision d’une scène. Pour ma part je préfère ce genre d’illustrations intérieures. Illustrations qui vont enrichir le récit comme je l’avais fait pour mon Robinson Crusoé. J’ai bien entendu respecté le texte et dessiné ce que Robinson faisait. Mais comme le texte était résumé et très synthétisé, j’ai pu donner libre cours à mon imagination, ma sensibilité et à ma vision de l’aventure pour créer une ambiance originale et différente (en tous cas je l’espère). Je préfère de loin réaliser ce genre d’images plutôt que des images simplement accompagnatrices du récit, ce qui parfois peut se révéler ennuyeux. Car prisonnier du texte, il arrive qu’on se retrouve vite dans le rôle du simple «exécutant».
Pour les couvertures mon optique est différente. Une couverture c’est un peu comme une pub, on doit pouvoir la comprendre instantanément, surtout aujourd’hui quand on voit la quantité de livres mis en rayon. Il vaut mieux que sa couverture ne se retrouve pas noyée dans la masse sur les gondoles de la Fnac par exemple. A mon avis une couverture doit être simple et efficace. Evidente. Généralement je les construis en trois temps. Tout d’abord un premier plan qui sera l’élément-clef (le personnage principal par exemple). Ensuite un second plan avec un détail, quelque chose de préférence en interaction avec l’élément du premier plan, quelque chose qui nous donnera quelques informations supplémentaires sur l’élément-clef. Et enfin un décor qui nous renseignera sur là où nous sommes, où se déroule la scène. Toujours trois éléments. En un coup d’œil on peut distinguer un personnage, ce qui le complète et son environnement. Et je libère de la place avec des fonds peu détaillés pour les titres & co de manière à les garder bien lisibles et à ne pas trop surcharger l’image. On va passer rapidement devant une couverture et elle doit en quelques secondes renseigner et accrocher le lecteur qui doit se questionner, qui est ce personnage, où sommes-nous, pourquoi fait-il cela, etc.
C’est pour cela que les couvertures genre «sapin de Noël» où l’œil ne sait pas où regarder, ne m’intéressent pas. Couvertures qui pullulent dans le monde du jeu de rôle, plein de personnages, des décors hyper travaillés, effets spéciaux dans tous les sens, le tout traité de la même manière avec le même niveau de détail, images illisibles, etc. Et là finalement je crois qu’on se retrouve finalement plus face à des illustrations d’intérieur. Je fais vraiment la différence entre une illustration qui sera tirée du texte, descriptive et une illustration peut-être plus générique et suggestive. Je crois que sur une couverture on ne doit pas trop en faire ni trop en dire au risque d’avoir au final une image qui manque de clarté, à la lecture difficile. Injecter juste ce qu’il faut pour éveiller la curiosité du lecteur en distillant quelques informations sur le contenu, laisser son imagination travailler et lui donner l’envie d’en savoir plus.

Pour en revenir à ce crayonné de couverture (qui d’après le briefing devait plus ressembler à une illustration intérieure), nous avons finalement évacué le coup du kraken qui prend les pirates à revers (ce qui pourrait faire le sujet terrible d’une autre illustration) et j’ai planqué le bateau attaquant, on le distinguera à peine sur la gauche, sa proue et un pan de voile. Je me retrouve donc avec un premier plan (le duel), mon second plan (la bataille sur le pont) qui nous aide à mieux comprendre qui sont ces personnages et un arrière-plan qui nous renseignera sur le lieu, en pleine mer, il faut beau, etc. Je pense même que ça pourrait être encore plus fort d’avoir les personnages plus proches du lecteur mais là on risquerait de ne plus distinguer l’arrière-plan et de ne plus trop savoir où l’action se situe…
Ensuite pour éviter de me retrouver avec une grosse bouillie et une image illisible, je détacherai les plans à la mise en couleur. Un premier plan riche et détaillé, très travaillé, des couleurs fortes et pétantes et tout ce qui est derrière traité plus «légèrement», un niveau de détail un peu en dessous avec des couleurs cassées et un petit coup de perspective atmosphérique (brume dans le fond ou couleur tirant vers les bleus) pour ajouter de la profondeur. Ce qui me donne l’idée de faire un message sur comment rendre une image plus lisible, ce sera pour une prochaine fois