Textures et support

Comme vous l’avez peut-être, sûrement, remarqué, j’aime beaucoup travailler les textures dans mes images. Que ce soit de la roche, de l’eau, des nuages, etc. C’est un travail passionnant et cela fait un bon bout de temps que je souhaite aller un peu plus loin avec cet aspect de ma technique. Faire quelques expérimentations. Comme expliqué ici et là, je travaille un peu toujours de la même manière. J’imprime mon crayonné sur la feuille, tend la feuille, fixe le crayonné, sature le papier avec une couche de brun assez liquide et passe à la mise en couleurs là-dessus.
Le grain du papier me sert beaucoup pour faire les textures. Avant même de poser les couleurs, cela donne un peu de matière, de piqué, car le grain va retenir (ou pas) les couleurs, quelques petites aspérités, une couleur parfois un peu frottée, etc. Les textures vibrent un peu plus, ce que ne permet pas un papier lisse avec ma technique par exemple. Je prends d’ailleurs toujours du papier 224gr pour un grain plus marqué et appuyé.  Cependant, j’avais bien envie de creuser un peu. Dans mes illustrations, dans les grandes lignes, il y a deux sortes de « zones texturées ». Celles que je texture moi-même, comme ce nuage ci-dessous par exemple. La peinture est quasi pure, très empâtée. Les reliefs des coups de pinceaux accrochent la lumière et donne de la vie au nuage, du mouvement.

En revanche, là où la peinture est très diluée, comme  des glacis superposés, les textures sont presque lisses et c’est le grain du papier qui donne quelques frémissements. Ce qui me convient tout à fait et le contraste entre zones très travaillées et zones plus légères donne un résultat sympathique. Cela permet même de guider l’œil du lecteur vers certaines parties de l’image, mais ça c’est une autre histoire.

Le hic, c’est que, parfois, à l’impression ou au moment de scanner, le grain des parties où l’acrylique est très light est presque imperceptible. Le grain apparaît trop timidement et les textures semblent plates, lisses, un peu comme un bon remplissage Photoshop au pot de peinture. Il suffit de se reculer ou de plisser les yeux en regardant l’image ci-dessus pour s’en rendre compte ; ce que le détail du nuage supporte plutôt bien. C’est dommage car cela casse l’équilibre entre le gras et le maigre dans les images, entre le texturé et le glissant. Il faut alors se tourner vers les originaux pour bien saisir la différence (et je rejoins ici la problématique du papier/écran/impression évoquée dans Et mon écran c’est du papier ?!).
J’avais lu un article enrichissant de James Gurney qui n’avait mis la puce à l’oreille à propos des peintres (et lui-même) qui « pré-texturent » leurs peintures. C’est-à-dire qu’on passe au début une couche de peinture transparente sur son support pour donner plus de relief à ses textures. Et ce avant la mise en couleurs. J’ai fait des essais récemment et ça fonctionne plutôt pas mal, c’est plutôt concluant. J’ai acheté plusieurs Gesso et gel pour tester et j’ai retenu un « Heavy Gel Structure » de chez Pébéo, facile à appliquer, transparent et pâteux.
Je trouve que le piège avec les Gesso et autres gels, le risque, c’est d’en tartiner des louches à la va-vite sur son support avec un énorme pinceau aux poils durs. Un peu n’importe comment. C’est d’ailleurs ce qui me freinait. Alors oui, yes, ça va faire un super effet peinture parce qu’on va sentir du relief, de la matière, de bons gros coups de pinceaux. Mais quel intérêt si le passage de cette sous-couche n’a aucun sens ?
J’ai donc pris le parti de peindre avec cette sous-couche transparente. Ne pas l’étaler dans tous les sens mais déjà modeler les textures des volumes avec ou leur donner une direction, un sens de mouvement. Structurer les différents éléments de l’image très en amont. Avec des pinceaux de tailles différentes. C’est d’ailleurs assez amusant de peindre sur son crayonné imprimé avec une matière transparente, il faut trouver le bon angle de lumière pour y voir quelque chose… Ci-dessous, un détail d’un ciel (d’une illustration récente que je ne peux malheureusement pas encore vous montrer intégralement), de très près. J’ai donné du mouvement sous la peinture et ça se sent. La couleur est passée de manière très légère, sans frotter ni empâtement.

Le même ciel vu de plus loin. Ma mise en couleurs suit les mouvements de la sous-couche et il me semble que le ciel est renforcé, plus dynamique ainsi. On peut aussi voir se mélanger les deux textures, le grain du papier et la sous-couche. Un peu difficile de s’en rendre compte sur écran mais les textures sont plus tendues et nerveuses ainsi.

Et un autre détail où la sous-couche apparaît et redessine les vagues, les fait vibrer. Sous ce détail, un autre tiré d’une illustration réalisée il y a deux ans, sans sous-couche. Même si ce n’est pas la même image ni le même dessin, les vagues me semblent un peu plus molles et moins énergiques que maintenant.

Je récapitule. Désormais, j’imprime mon crayonné, je tends la feuille, je fixe tout ça, je passe mon jus brun, je peins une première fois avec la sous-couche et je mets en couleurs là-dessus. Ca rallonge un peu le temps de travail mais au final, je me dis que ça peut enrichir les textures et leur donner plus de force, de profondeur, plus de pêche sans sombrer dans les excès de l’effet peinture. Et ça ne m’empêche pas d’aller encore plus loin sur certaines parties (comme la première image avec le nuage) en travaillant vraiment en épaisseur. En plus, je peux texturer doucement et préserver quelques zones à détailler avec des pinceaux très fins par la suite. Je ne sais pas si vous avez déjà essayé de faire des détails avec un minuscule pinceau sur de la toile à gros grain, ce n’est pas toujours évident… Je vous en reparlerai quand je pourrai présenter ces dernières réalisations. A suivre 😉